Galeria Podbrzezie

Wystawa „Wrażliwcy” w Galerii Podbrzezie jest próbą poszerzenia tradycyjnego, ikono-lingwistycznego języka komiksu, poprzez wprowadzenie do niego nowych, narracyjnych form graficznych i przestrzennych, opartych na wrażliwości na różnorodność i wykluczenia. Chcemy pokazać, że alternatywne sposoby doświadczania komiksu mogą angażować nie tylko wzrok, ale też inne zmysły, jak słuch czy dotyk.

Osoby biorące udział w wystawie: Dominika Bobulska,
Simeon Genew, Lech Kolasiński, Przemek Liput,
Agnieszka Łukaszewska, Małgorzata Malwina Niespodziewana,
Piotr Nowacki, Karol Patoła, Bogna Sroka-Mucha,
Magda Żmijowska.

Kurator: Artur Wabik

Wystawa współorganizowana przez Uniwersytet Komisji Edukacji Narodowej i Fundację Muzeum Komiksu jest częścią programu
14. Krakowskiego Festiwalu Komiksu.

Wernisaż: PIĄTEK, 27.06.2025, godz. 19.00
Wystawa czynna w trakcie trwania
14. Krakowskiego Festiwalu Komiksu
w dniach 28-29.06.2025 w godzinach 10.00-18.00
Po zakończeniu festiwalu pn.-pt. 11-16

Od czasów prehistorycznych aż do czasów współczesnych potrzeba eksploracji tego, co za horyzontem, napędzała człowieka. Nasi przodkowie nawigowali na światło: słońca, gwiazd, księżyca. Piotr Szewczyk i Anna Stąporek obrali kierunek na Północ, ustawili kompas na zorzę polarną. Prowadzeni tym samym pierwotnym instynktem co wszyscy podróżnicy i odkrywcy przystosowali i spakowali swój wehikuł, zgromadzili to co potrzebne w podróży i wyruszyli by odkryć, że nie tylko zorza jest celem a także, jak wielu przed nimi, doświadczyli, że droga sama w sobie jest doznaniem jakiego się nie spodziewali. Nie oni pierwsi zanurzyli się w krajobraz i naturę z jej wszelkimi ekstremami, ale podobnie jak w przypadku ich poprzedników zrozumieli, że ani słowa, ani obrazy przez nich zarejestrowane nie są w stanie oddać doświadczenia skandynawskiego światła, zapachu, dźwięków, zmagań z mrozem, śniegiem i ciemnością. W drodze spotkali ludzi, których pomoc i życzliwość dopełniały obrazu Północy – miejsca nie tylko dzikiego i wymagającego, ale też pełnego cichego ciepła i ludzkiej obecności.

Pierwotnym celem ekspedycji, o której opowiada wystawa, było marzenie zobaczenia zorzy. Ekspozycja opowiada o wędrówce — zarówno tej rzeczywistej, prowadzącej przez zimne i ciche przestrzenie Norwegii, Szwecji i Finlandii, jak i metaforycznej — wewnętrznej podróży ku uważności, samotności i refleksji nad własnym miejscem w świecie. Wystawa proponuje serię interaktywnych instalacji, które pozwalają doświadczyć esencji tej podróży wszystkimi zmysłami. Widz nie pozostaje biernym obserwatorem, lecz staje się uczestnikiem — doświadcza, dotyka, słucha, zanurza się w opowieść o odkrywaniu siebie poprzez kontakt z nieprzyjazną naturą Północy.

Artyści: Piotr Szewczyk i Anna Stąporek
Kuratorka: Anna Zabdyrska

Serdecznie zapraszamy do udziału w programie wydarzeń towarzyszących wystawie WSPÓLNOTY ZAPROJEKTOWANE. Przygotowaliśmy bogaty zestaw spotkań, który pozwoli jeszcze głębiej zanurzyć się w tematykę wystawy. W ramach programu odbędą się oprowadzanie kuratorskie, wykłady, warsztaty – wszystkie otwarte dla publiczności i dostępne bezpłatnie. To doskonała okazja, by poszerzyć swoją wiedzę, porozmawiać o projektowaniu wspólnot, a także wziąć udział w działaniach twórczych.

Zapraszamy dzieci, młodzież, dorosłych i całe rodziny – niezależnie od poziomu doświadczenia czy wiedzy. Szczegółowe informacje o terminach i zapisach poniżej.

Oprowadzanie kuratorskie po wystawie WSPÓLNOTY ZAPROJEKTOWANE

📅 03.06. WTOREK
🕒 godzina 19.00

Zapraszamy na oprowadzanie kuratorskie po wystawie WSPÓLNOTY ZAPROJEKTOWANE, które poprowadzi kuratorka Katarzyna Wojdyła.

W trakcie oprowadzanie będzie można poznać przykłady projektowania reprezentujące cztery perspektywy identyfikacji: narodową, lokalną, integrującą oraz wspólnotową jako przestrzeń przeżywania i pamięci. Będzie to opowieść o tym, jak projektowanie może być nie tylko formą wizualną, ale przede wszystkim społecznym procesem – budującym wspólnoty i dającym jednostce poczucie „bycia razem”.

Wystawa koncentruje się na relacji między jednostką a wspólnotą. Prezentowane projekty – zarówno instytucjonalne, jak i oddolne inicjatywy – badają, jak grafika użytkowa, design i projektowanie przestrzeni mogą wspierać budowanie więzi społecznych i kulturowych. Za pomocą symboli, znaków i struktur wizualnych twórcy podejmują próbę uchwycenia i kształtowania tożsamości, przynależności oraz emocjonalnych relacji w różnych typach wspólnot – od narodowych, przez lokalne, po symboliczne.

Udział w oprowadzaniu jest bezpłatny, nie obowiązują wcześniejsze zapisy.

Serdecznie zapraszamy do wspólnego zwiedzania i rozmowy o roli projektowania w kształtowaniu relacji międzyludzkich i tożsamości!

---

Spotkanie: projektowanie. Edycja: Tożsamość

📅 05.06. CZWARTEK
🕒 godzina 18.00 – 20.00

Zapraszamy na spotkanie z Kubą Malickim – projektantem graficznym, który specjalizuje się w wyjątkowej dziedzinie: tworzeniu i odświeżaniu identyfikacji wizualnych klubów sportowych. To szczególne wyzwanie, ponieważ odbiorcy jego projektów – kibice i władze klubów – aktywnie uczestniczą w całym procesie. Jak pogodzić estetykę z emocjami i tradycją? O tym opowie nasz gość podczas spotkania.

KUBA MALICKI – urodzony w 1982 roku, absolwent Wydziału Nauk Społecznych Uniwersytetu Śląskiego. Od 2003 roku zawodowo zajmuje się projektowaniem graficznym, początkowo jako grafik zatrudniony m.in. w krakowskiej firmie Comarch, następnie poznańskiej agencji Kiwigroup. Od 2011 prowadzi własną pracownię projektową. Specjalizuje się w tworzeniu znaków i systemów identyfikacji wizualnej dla firm oraz organizacji społecznych.

Współpracował z ponad 200 organizacjami sportowymi, od największych polskich związków po amatorskie kluby w Nepalu. W portfolio ma realizacje m.in. dla Polskiego Związku Piłki Nożnej, piłkarskiej Ekstraklasy, żużlowej Ekstraligi, handballowej Superligi oraz utytułowanych polskich klubów – Lech Poznań, Cracovia, Wisła Kraków, Ruch Chorzów, WTS Sparta Wrocław, Ogniwo Sopot czy zagranicznych: FC Midtjylland z Danii, Mistrza Włoch Orange Futsal z Asti czy Santa Luzia FC z portugalskiego Viana do Castelo.

Poza pracą zawodową zajmuje się popularyzacją projektowania graficznego i kultury wizualnej w środowisku sportowym, czego owocem jest serwis polskielogo.net założony w 2015 roku. W ramach tego projektu opracował i opisał ponad 1000 historycznych znaków polskich organizacji sportowych, w tym klubów mniejszości narodowych z czasów II Rzeczypospolitej.

Drugim gościem Spotkania Projektowania będzie Przemek Liput – ilustrator, autor książek dla dzieci. Jego prace poruszają tematy związane z codziennym otoczeniem najmłodszych, jak w książce Miasto Potwór, ale także podejmują próbę ukazania dzieciom wyjątkowości polskich miast, na przykład Krakowa. Jego ilustracje są nie tylko estetyczne, ale i pełne treści edukacyjnych, które rozwijają wrażliwość i ciekawość świata.

PRZEMEK LIPUT – urodzony w 1985 roku w Sanoku. Absolwent kierunku Grafika na Wydziale Sztuki Uniwersytetu Pedagogicznego w Krakowie, gdzie w 2010 roku obronił dyplom magisterski w pracowni druku cyfrowego. Od 2011 roku związany z macierzystą uczelnią, gdzie prowadzi zajęcia z filmu animowanego w Instytucie Sztuki i Designu. Specjalizuje się w technikach graficznych, rysunkowych oraz wideo, a w animacji szczególnie interesują go działania bezkamerowe i przedkinematograficzne.

Jest autorem ilustracji do książek, m.in. „Rok w przedszkolu”, „Miasto Potwór”, „Ziemia do Jadzi” oraz serii „Jano i Wito”. Współpracował z licznymi instytucjami i wydawnictwami, takimi jak Muzeum Powstania Warszawskiego, Zamek Królewski w Warszawie, Muzeum Sportu i Turystyki, Zachęta – Narodowa Galeria Sztuki, UNICEF, a także PWN, Operon, Multico, GWO i magazyn „Świerszczyk”.

Udział w spotkaniu jest bezpłatny, nie obowiązują wcześniejsze zapisy.

---

Warsztaty projektowania herbu i flagi

📅 07.06. SOBOTA
🕒 warsztaty dla dzieci lub rodzin z dziećmi: godzina 10.30-11.30
🕒 warsztaty dla dorosłych: godzina 12.00-13.00

W ramach programu wydarzeń towarzyszących wystawie WSPÓLNOTY ZAPROJEKTOWANE zapraszamy na wyjątkowe warsztaty, podczas których uczestnicy stworzą własne herby i flagi – symbole wspólnot, które od wieków służą budowaniu tożsamości i przynależności.

Podczas spotkania przyjrzymy się temu, jakimi zasadami rządzi się projektowanie symboli reprezentujących grupy społeczne, lokalne społeczności czy instytucje. Zarówno herby, jak i flagi muszą być czytelne, symboliczne i funkcjonalne – ich forma powinna być prosta, łatwa do rozpoznania i odtworzenia, a jednocześnie nasycona znaczeniem. Kolory, kształty i znaki użyte w projekcie niosą konkretne treści i emocje, dlatego tak ważne jest świadome podejście do ich doboru.

Uczestnicy poznają podstawowe zasady heraldyki i weksylologii – nauk zajmujących się odpowiednio herbami i flagami – oraz spróbują przekształcić idee wspólnotowości, tożsamości i wartości w graficzne znaki. Warsztaty będą okazją do twórczej pracy, ale również refleksji nad tym, co nas łączy i jak chcemy być reprezentowani jako społeczność.

Warsztaty skierowane są do dzieci, rodzin z dziećmi oraz dorosłych. Będą okazją do wspólnej, międzypokoleniowej twórczości, która łączy zabawę z refleksją nad tym, co nas łączy jako społeczność.

Udział w warsztatach jest bezpłatny, obowiązują zapisy na maila: galeriapodbrzezie@uken.krakow.pl

Zainspirowani myślą przewodnią Krakers Cracow Art Week 2025, postanowiliśmy przyjrzeć się bliżej relacji między jednostką a społeczeństwem. Szukając remedium na samotność, zwróciliśmy się w stronę wspólnotowości, stawiając pytania: czy projektowanie wizualne może wspierać budowanie poczucia przynależności i otwartości? Czy grafika użytkowa, design i projektowanie przestrzeni mają realny wpływ na tworzenie więzi społecznych i kulturowych? Na wystawie analizujemy, jak za pomocą symboli, znaków, kolorów czy struktur wizualnych można budować tożsamość, tworzyć poczucie wspólnoty oraz przekazywać wartości kulturowe i historyczne. Prezentowane realizacje powstały zarówno w ramach współpracy z samorządami, instytucjami kultury i organizacjami społecznymi, jak i jako oddolne, autorskie inicjatywy. Łączy je wspólna idea: projektowanie jako narzędzie społecznego wpływu – łączące ludzi wokół idei, inspirowanie do działania, kształtujące wizje przyszłości.

Wspólnota, jak pisze Amitai Etzioni w swoich rozważaniach nad pojęciem komunitaryzmu, to nie tylko zbiorowość. To sieć wzajemnych relacji, emocjonalnych więzi przypieczętowanych poczuciem obowiązku wobec podzielanych wspólnie wartości, norm, znaczeń, historii i tożsamości. Wspólnota to żywy organizm, który ewoluuje, rozrasta się w czasie i przestrzeni, zanika, by odrodzić się na nowo – w innych miejscach, w innych konfiguracjach. Każdy z nas funkcjonuje jednocześnie w wielu wspólnotach – tych lokalnych i tych symbolicznych, realnych i wyobrażonych.

Projektowanie z myślą o wspólnocie wymaga uważności. Wchodząc w konkretną, często złożoną rzeczywistość społeczną, poszukujemy tego, co identyfikuje daną grupę –  jej wewnętrznej tożsamości. To właśnie ona, podobnie jak pojęcie wspólnoty, pozostaje często otwarta, dynamiczna i wielowymiarowa. W takim ujęciu projektowanie wizualne przestaje być jedynie formą – staje się procesem. Opowieścią o tym, kim jesteśmy, z kim się identyfikujemy i jak chcemy być postrzegani przez innych.

Na wystawie prezentujemy cztery perspektywy identyfikowania tożsamości. Pierwsza z nich koncentruje się na tożsamości narodowej i administracyjnej – obejmuje projekty tworzone dla jednostek terytorialnych, takich jak państwa, miasta czy regiony. W tym przypadku projektanci mierzą się z wyzwaniem stworzenia formy odpowiadającej na potrzeby bardzo szerokiego grona odbiorców, a przy tym zrozumiałej i akceptowalnej dla całej wspólnoty.

Drugi obszar dotyczy identyfikacji lokalnej – tak zwanych „małych ojczyzn”, które często funkcjonują poza oficjalnymi strukturami administracyjnymi. Dzielnice, ulice, parki czy osiedla stają się przestrzeniami silnie związanymi z codziennością mieszkańców. To właśnie tam – w nieformalnych inicjatywach – rodzą się formy wizualne, które choć nie są narzucone odgórnie, potrafią budować lokalną dumę i wzmacniać więź z miejscem.

Trzecia płaszczyzna wystawy skupia się na identyfikacji jako czynniku łączącym. Używanie słów, znaków graficznych, kolorów czy określonych form wizualnych może służyć nie tylko rozpoznawalności, ale przede wszystkim integracji. Przyjmując dany wizerunek, jednostka wyraża przynależność, akceptuje wspólne wartości i wyraża chęć bycia częścią większej całości. Takie formy wizualne nie tylko wzmacnia relacje i poczucie wspólnoty, ale stają się konkretnym narzędziem komunikacji i wyrażania własnego „ja”.

Ostatni z prezentowanych wątków dotyczy identyfikacji wspólnoty jako przestrzeni celebrowania doświadczeń. Wspólnota to nie tylko zbiór jednostek połączonych wspólnymi ideami – to również miejsce dzielenia emocji, przeżyć i wydarzeń. Wspólne przeżywanie duchowych uniesień, wydarzeń kulturalnych czy sportowych nie tylko wzmacnia tożsamość, ale także buduje trwałą pamięć i kulturową ciągłość.

Projektowanie wizualne ma potencjał znacznie wykraczający poza estetykę – staje się językiem porozumienia, narzędziem budowania relacji i przestrzenią, w której tożsamość może być nie tylko wyrażana, ale i tworzona. Wystawa jest zaproszeniem do refleksji nad tym, jak projektowanie – w swoich różnych formach – wpływa na naszą codzienność, na nasze „bycie razem” i na to, jak samego siebie widzimy i pokazujemy światu.

PROJEKTANTKI / PROJEKTANCI:
Agnieszka Jacobson-Cielecka
Agnieszka Piksa i Barbara Janczak oraz Witold Szwedkowski
Anna Zabdyrska i Nika Langosz
Barbara Widłak
Dagmara i Jacek Latała
Danylo Kosenko i Oleksandra Buimister (Ukraina)
Franciszka Jagielak
Gabriela Palicka
Grzegorz Izdebski
Joanna Suchowiak-Horzemski
Justyna Jędrysek
Karolina Szafran-Kamrowska
Katarzyna Wojdyła i Małgorzata Markiewicz
Katarzyna Zapart
Kolektyw Memorymorph: Małgorzata Łuczyna i Jacek Złoczowski
Kuba Malicki
Marcin Klag
Marcin Urbańczyk
Marta Gawin
Natalia Garncarczyk
Olga Turkiewicz
Plastic Justice — partnerzy: Iceland University of the Arts, Reykjavík; Royal Academy of Art (KABK), The Hague; Elisava, Barcelona; Central Saint Martins (UAL), London; Vilnius Academy of Art and ELIA – European League of Institutes of the Arts
Pogotowie Graficzne — plakaty: Gosia Stolińska, Jakub Sobczak, Luka Rayski, Martyna Wójcik-Śmierska, Nina Gregier, Ola Jasionowska
Przemysław Liput
Renata Brońka
Spiilka Design Büro (Ukraina)
STOA Architekti (Słowacja)
Studio Otwarte
Wiktoria Kapiarz

————————————————————————

Wernisaż 25 kwietnia, godz. 17:00 

Wystawa potrwa do 8 czerwca 2025 

Będzie otwarta we wszystkie dni od 11-16,
w trakcie trwania Krakow Art Week KRAKERS w godzinach 11- 18. 

————————————————————————

Wystawa organizowana w ramach programu głównego Krakers Cracow Art Week 2025 oraz Festiwalu Sztuki Trójmorza.

————————————————————————

Kuratorka: Katarzyna Wojdyła
Konsultacja merytoryczna: Agata Wójcik, Karolina Kolenda
Promocja / konsultacja merytoryczna: Anna Zabdyrska
Projekt aranżacji wystawy: Marta Zdebiak
Projekt identyfikacji wizualnej wystawy: Natalia Garncarczyk
Montaż wystawy: Andrzej Gąsiorowski
Druki: Drukarnia Sztuki — Anna Stąporek
Postpress: Gilotyna Koło Naukowe poligraficzne i introligatorskie

 

W nowym projekcie Agnieszki Dutki pod tytułem …a potem trójkąty i romby podjęty został problem kreowania fałszywego kontekstu, w odniesieniu do przemieszania fikcji i świata realnego w sztuce. W tym celu zostaje tu wykorzystane pewne zdarzenie z przeszłości, należące do biografii autorki, wcześniej opisane w jej notatnikach w formie anegdoty. Owo zdarzenie, pozornie ukryte i zapomniane, teraz powróciło w filmie wideo, aby swoją fikcyjność uwiarygodnić i zaktualizować, a zarazem poprowadzić zamysł Autorki w nieprzewidywalnym kierunku.

…W zamierzeniu tym zmyślona historia przypadkowo odnalezionego w autorskim archiwum filmu z ulic Krakowa ma fundamentalne znaczenie. „Stary” film staje się nie tylko inspiracją dla nowego widzenia tematu, ale także czymś w rodzaju alibi, dla pozornie chronologicznie prowadzonej narracji w formie tekstów, obrazów graficznych i obiektów. Dzięki niemu fikcja zostaje włączona do przyjętej wcześniej strategii budowania projektu, a film wideo jest się punktem odniesienia, nie tylko dla abstrakcyjnych form z serii prac graficznych, ale także dla pseudodokumentacyjnych tekstów, dodatkowo zagęszczając opowieści, modyfikując jej odbiór. Powstaje pole do przekształceń wielu wcześniej występujących wątków, które zyskują nowy kształt i znaczenie. W taki, zaskakujący sposób zostajemy wprowadzeni w labirynt przeszłości i teraźniejszości rodem z opowiadań Borgesa, gdzie przyczyny i skutki zdarzeń zamieniają się miejscami, a fikcję i rzeczywistość łączy wyobraźnia. – Halina Cader

 

Double black diamond to wyrażenie pochodzące z dziedziny sportów ekstremalnych. Jest to trasa przeznaczona dla doświadczonych rowerzystów. Stanowi szczyt trudności w kolarstwie górskim. Trasy te są ogromnym wyzwaniem ze względu na niezwykle strome zjazdy, masywne spadki, ciasne i techniczne odcinki oraz inne zaskakujące elementy. Tylko osoby posiadające wyjątkowe umiejętności prowadzenia roweru, pewność siebie i sprawność fizyczną mogą podjąć wyzwanie i pokonać pokonać te szlaki. „Jeźdźcy” Double Black Diamond to śmiałkowie gór, którzy przesuwają granice tego, co jest możliwe na dwóch kołach (https://www.eamountainbike.com/latest-news/navigating-the-grades-understanding-mountain-bike-trail-difficulty).

Double Black Diamond to również tytuł najnowszej solowej wystawy krakowskiego artysty Grzegorza Bugaja. Wystawy, która jest przede wszystkim opowieścią o życiowej „trasie” artysty. Drodze wyboistej i z przeszkodami, ale też wyjątkowej, w której udało mu się połączyć sztukę i sport ekstremalny.

Wystawa jest nierozerwalnie związana z jego największa  pasją czyli kolarstwem grawitacyjnym, które Grzegorz Bugaj uprawia od ponad 20 lat. Sport  jest jego motywacją i motorem do działania. Ponieważ stanowi istotny element jego życia, w sposób naturalny wiąże się ze sztuką, z  twórczymi działaniami.

Artysta uważa, że istnieje relacja między doświadczeniem ekstremum w sporcie rowerowym a jego malarstwem. Grzegorz Bugaj poprzez sport wprowadza się w stan, który określa „flow” i maluje będąc pod wpływem nastroju i emocji wywołanych bezpośrednio zjazdem rowerowym. Chce uchwycić różnicę pomiędzy pracami, które powstały po kolarstwie, z tymi, które malował w oderwaniu od swojej pasji. Koncepcja Grzegorza Bugaja przywołuje skojarzenie z poszukiwaniami prowadzonymi już wcześniej przez Stanisława Ignacego Witkiewicza, który testował jak przyjmowanie różnych substancji, wywołujących specyficzne stany świadomości, wpływa na sztukę, którą tworzył.

Grzegorz Bugaj jest artystą pracującym cyklami, które w malarstwie, grafice czy rysunku pozwalają mu w znacznym stopniu wyczerpać interesującą go w danym momencie kwestię. Między cyklami  istnieje duża różnorodność tematyczna i formalna, jest jednak kilka zagadnień, które je łączą. Jego malarstwo nawiązuje do spontaniczności oraz automatycznych technik wykorzystywanych w sztuce przez surrealistów. Niektóre z prac wyglądają jak sen na jawie, w którym myśli zdają się stawać rzeczywistością. Mnogość biomorficznych form, emocjonalność, specyficzna kolorystyka prac Bugaja przywodzi na myśl twórczość Roberto Matty, artysty który stał na skrzyżowaniu dróg między surrealizmem a ekspresjonizmem abstrakcyjnym. Matta fascynował się emocjonalnością człowieka. Poszukiwał sposobu na przekazania całkowicie skrajnych, czy wręcz granicznych emocji i uczuć. Podobnie Grzegorz Bugaj poszukuje sposobu na pokazanie złożonych stanów emocjonalnych człowieka za pomocą malarskich środków wyrazu. Stany te, wywołane czy też podkręcone kolarstwem grawitacyjnym, są szczególnie interesujące dla artysty. Wprowadzają widza w świat, na który może spojrzeć oczami artysty. Zabieg spoglądania na świat „czyimiś” oczami jest popularny, szczególnie w animacji i filmie – daje nam możliwość wcielenia się w rolę opowiadacza historii. Historii, w której pojawiają się graficzne formy przypominające azteckie ornamenty albo steampunkowe stwory zaludniające wyobraźnię, nawiązujące stylistyką, estetyką i techniką do maszyn, które ożywione, przemierzają obrazy na wystawie, w pracowni, w domu… Jak stwory w Ruchomym zamku Hauru Hayao Miyazakiego.

Wystawa została zaaranżowana tak aby nawiązywać do pasji i aktywności prowadzonych przez Grzegorza. Sposób eksponowania prac malarskich oraz filmów swoim układem ma odnosić się do drogi Double black diamond jaką malarz-sportowiec podąża. Dodatkowe elementy aranżacyjne są zaczerpnięte bezpośrednio i pośrednio ze sportów ekstremalnych, ze zjazdu. Celem było stworzenie symulacji, klimatu, nastroju, emocji i przeżyć jakie towarzyszą odczuwaniu wyzwań z kategorii kolarstwa wyczynowego (grawitacyjnego).

Julita Deluga

Kuratorzy: Julita Deluga, Robert Domżalski

Wernisaż wystawy 21.02.2025, godzina 18:00
Zapraszamy na wystawę od 22 lutego do 14 marca,
w godzinach:
poniedziałek 11-16
wtorek 11-19
środa 11-16
czwartek 11-19
piątek 11-20
sobota 11-20
niedziela 11-20

Sobolewski mieści się gdzieś pomiędzy „opowiedzieć” a „namalować”. W swoich cyklach nie maluje ludzi. Szczególnie znaczące jest to w Krajobrazach szpitalnych. Motyw człowieka wydaje się mu obcy… (…) Nieobecność człowieka w jego obrazach polega na czymś, co w gruncie rzeczy stanowi dla mnie istotę tej twórczości: nieobecność jest rodzajem pustki, samotności przedmiotów, motywów, cieni i światła – po odejściu tych, których już nie ma. Którzy byli tu przed chwilą, ale się ulotnili. Sobolewski nie „opowiada”. Tworzy emocjonalne liryczne równoważniki, a ich natura leży nie po stronie narracji, lecz po stronie metonimii i metafory jednocześnie. Po stronie nieobecności i tęsknoty, i żalu po tych, którzy byli, ale już nie wrócą.

 Fragment tekstu Andrzeja Nowakowskiego Widzenie świata. Tekst zamieszczony był w katalogu Teraźniejsze i ponadczasowe, Kraków 2018

 

Stanisław Sobolewski (ur. 1952 w Krakowie) ukończył studia na Wydziale Filologicznym Uniwersytetu Jagiellońskiego (1971–1976) oraz na Wydziale Malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie w pracowni prof. Zbigniewa Grzybowskiego (1974–1979). W latach 1989/1990 odbył staż artystyczny pod kierunkiem prof. Stefana Gierowskiego na ASP w Warszawie. Od 1979 do 2022 roku pracował jako nauczyciel akademicki w WSP, przekształconej później w Uniwersytet Pedagogiczny w Krakowie. Tytuł profesora uzyskał w 2000 roku.

Jego prace były prezentowane na licznych wystawach indywidualnych i zbiorowych w kraju i za granicą. W latach 1982–1989 aktywnie uczestniczył w Ruchu Kultury Niezależnej. Od 1980 roku jest członkiem Związku Polskich Artystów Plastyków (ZPAP). Jego dzieła znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych zarówno w Polsce, jak i za granicą.

 

Krakowska Szkoła Plakatu to program wydarzeń towarzyszących wystawie Post-Poster? − między sztuką a metodyką.

Harmonogram wydarzeń:
POSTER–FIESTA – CAŁY WEEKEND Z PLAKATAMI! 16–17.11.2024

16.11.2024, SOBOTA, WARSZTATY, prowadząca Justyna Jędrysek
Godzina 10:00–11:00 Warsztaty dla dzieci: zaprojektuj z nami plakat!
Godzina 11:30–12:30 Warsztaty nie dla dzieci: plakat tradycyjny

17.11.24, NIEDZIELA, WARSZTATY, prowadząca Anna Zabdyrska
Godzina 10:00–11:00 Warsztaty dla dzieci: zaprojektuj z nami plakat!
Godzina 11:30–12:30 Warsztaty nie dla dzieci: plakat typograficzny

28.11.2024, czwartek, godzina 18:00–20.00, Galeria Podbrzezie –
SPOTKANIE–PROJEKTOWANIE: EDYCJA PLAKATY!
Agnieszka Ziemiszewska oraz Jakub Kamiński
+ 20:30–23.30 – POSTER PARTY – przebierz się za ulubiony plakat!

Nasze wydarzenia kierujemy do wszystkich chętnych do zapoznania się z tym co to jest plakat. Nie ma znaczenia czy ktoś zajmuje się projektowanie czy nie – w programie będą wydarzenia i dla tych którzy to medium dobrze znają i dla tych którzy nic o nim nie wiedzą. Będzie można oglądać, tworzyć, dyskutować, słuchać.

CO I DLA KOGO:

WARSZTATY DLA DZIECI 9–12 LAT:
Warsztaty skierowane do dzieci chętnych zmierzyć się z nowym dla nich medium – plakatem. Co może, a co musi znaleźć się na plakacie? Po co tworzy się plakaty? Jaki powinien być, aby przykuł uwagę odbiorcy? Podczas warsztatów dzieci stworzą własne plakaty na jeden z wybranych tematów!
Organizator zapewnia materiały warsztatowe. Proszę zadbać o strój dogodny do warsztatów kreatywnych. Zapraszamy rodziców do technicznego wsparcia młodych projektantów.

Prowadzące: Justyna Jędrysek (sobota) i Anna Zabdyrska (niedziela)
UWAGA: Zapisy! Na warsztaty obowiązują zapisy pod adresem: galeriapodbrzezie@up.krakow.pl

WARSZTATY PLAKAT TRADYCYJNY
Warsztaty kreatywne, dla uczestników w wieku 17+. W ramach warsztatów będzie można stworzyć plakat robiony technikami tradycyjnymi, tak, jak to miało miejsce w słynnej Polskiej Szkole Plakatu. Organizator zapewnia materiały warsztatowe. Proszę zadbać o strój dogodny do warsztatów kreatywnych.

Prowadząca: Justyna Jędrysek
UWAGA: Zapisy! na warsztaty obowiązują zapisy pod adresem: galeriapodbrzezie@up.krakow.pl

WARSZTATY PLAKAT TYPOGRAFICZNY
Warsztaty kreatywne, dla uczestników w wieku 17+. W ramach warsztatów uczestnicy będą projektować plakat typograficzny czyli taki, który zbudowany jest wyłącznie z liter. Organizator zapewnia materiały warsztatowe. Proszę zadbać o strój dogodny do warsztatów
kreatywnych.

Prowadząca: Anna Zabdyrska
UWAGA: Zapisy! na warsztaty obowiązują zapisy pod adresem: galeriapodbrzezie@up.krakow.pl

SPOTKANIE–PROJEKTOWANIE: EDYCJA PLAKATY!
Spotkanie-prezentacja 2 profesjonalnych twórców plakatów. W ramach spotkania projektanci opowiedzą o swojej pracy zawodowej, pozytywnych i negatywnych stronach, opowiedzą o ciekawym przypadku projektowym lub podpowiedzą jak rozpocząć karierę zawodową w tym wybranym kierunku.

GOŚCIE:
AGNIESZKA ZIEMISZEWSKA – projektantka, plakacistka i edukatorka. Jej prace były prezentowane na wystawach całym świecie. Laureatka wielu nagród i wyróżnień. Zasiadała w jury krajowych i międzynarodowych konkursów i wydarzeń związanych z projektowaniem graficznym i plakatem. Była również kuratorką i współorganizatorką wielu wystaw w Polsce i za granicą. Pracuje na stanowisku profesora na Wydziale Sztuki Nowych Mediów Polsko-Japońskiej Akademii Technik Komputerowych w Warszawie.

JAKUB KAMIŃSKI – projektant plakatów, ilustracji prasowych oraz okładek książkowych. Absolwent ASP we Wrocławiu. Uczy projektowania graficznego w Technikum nr 15 we Wrocławiu. Członek Stowarzyszenia Twórców Grafiki Użytkowej. Jego prace były pokazywane na wystawach indywidualnych i zbiorowych w Polsce i zagranicą. Kilkukrotnie wyróżniony i nagrodzony na różnych konkursach graficznych.

Poster party – przebierz się za ulubiony plakat!
Silent disco w Galerii Podbrzezie pełnej plakatów! Spotkanie z plakatowym tematem przewodnim dla wszystkich fanów plakatu. Zachęcamy by przebrać się za ulubiony plakat, kreatywnie podejść do tematu!
UWAGA: Studenci wstęp wolny, pozostali 20 zł

Zapraszamy też na nasze wystawy:
14.11.2024, czwartek, godzina 18:00, Galeria Podbrzezie –
Otwarcie wystawy „Post-Poster? – między sztuką a metodyką”

28.11.2024, czwartek, godzina 17:30, Galeria Lorem Ipsum –
Otwarcie wystawy plakatów Jakuba Kamińskiego „Napój chłodzący typu oranżada”

Projekt współfinansowany ze środków Miasta Krakowa w ramach projektu „Sztuka do rzeczy. Design w Krakowie”.

 

POST-POSTER? Między sztuką a metodyką
wystawa plakatów

Czym obecnie jest plakat? Czy nadal jest tylko drukiem dużego formatu, łączącym tekst i obraz? Rozszerzył przecież obszar swojego oddziaływania na Internet, tablice ledowe, zyskał nowe walory dzięki animacji, formom interaktywnym, czy Augmented Reality. Dla wielu twórców plakatem nie jest już tylko druk a sam projekt. Dla innych definicja plakatu jest bardziej metaforyczna i związana z jego procesem kreacji, a plakat to sposób myślenia, który prowadzi do syntetycznej, metaforycznej wypowiedzi, gdzie jeden kadr potrafi zatrzymać widza i go poruszyć, odwołując się do skrótów myślowych czy podświadomych obrazów.

Wystawa zaprasza do odkrycia unikalnych metod projektowania plakatów prezentowanych przez twórców-wykładowców z Polski i zagranicy. To niepowtarzalna okazja, aby zrozumieć, co stanowi fundament edukacji projektowej i skąd czerpią inspirację projektanci. Zapraszamy do prześledzenia różnego podejścia i technik, które wpływają na proces twórczy w tej dziedzinie, ukazując bogactwo form i pomysłów, jakie plakat może zaoferować.

UCZESTNICY WYSTAWY:
Agnieszka Ziemiszewska, PJATK Warszawa
Alexander Ruth, Keimyung University, South Korea
Anna Zabdyrska, UKEN Kraków
Artur Skowroński, ASP Wrocław
Barbara Janczak, UKEN Kraków
Barbara Widłak, ASP Kraków
Daria Malicka, UKEN Kraków
Eugeniusz Skorwider, UAP Poznań
Grzegorz Izdebski, UŚ Katowice
Jacek Staniszewski, ASP Gdańsk
Jakub de Barbaro, Kuba Sowiński, ASP Kraków
Jakub Hakobo Stępień, ASP Łódź
Joanna Tyborowska, ASP Kraków
Justyna Jędrysek, UKEN Kraków
Kaja Gliwa, ASP Kraków
Kaja Renkas, UŚ Katowice
Karolina Grudzińska, ASP Łódź
Karolina Szafran-Kamrowska, UKEN Kraków
Katarzyna Wojdyła, UKEN Kraków
Krzysztof Białowicz, UMK Toruń
Lech Majewski, ASP Warszawa
Li Xu, Beijing Institute of Graphic Communication, China
Łukasz Kliś, UŚ Katowice
Magdalena Wosik, ASP Wrocław
Marcin Klag, UKEN Kraków
Marcin Urbańczyk, UKEN Kraków
Michel Bouvet, EPSAA, Paris
Monika Chrabąszcz-Tarkowska, Akademia Tarnowska
Monika Starowicz, ASP Katowice
Nikodem Pręgowski, UMK Toruń
Olga Turkiewicz, UKEN Kraków
Patrycja Longawa, WSIiZ Rzeszów
Peter Javorik, ASP Kraków
Piotr Depta-Kleśta, AS Szczecin
Piotr Garlicki, ASP Warszawa
Rikke Hansen, Design School Kolding, Denmark
Ryszard Kajzer, ASP Warszawa
Sebastian Kubica, UŚ Katowice
Sławomir Kosmynka, ASP Łódź
Stanisław Gajewski, APS Warszawa
Stefan Lechwar, UŚ Katowice
Steven Dana, MARIST College, NY, US
Szymon Szymankiewicz, UAP Poznań
Tomasz Broda, ASP Wrocław
Tomasz Jędrzejko, UŚ Katowice / AŚ Katowice
Tomasz Kipka, UŚ Katowice
Wojciech Kołek, Akademia Tarnowska

15.11.2024−12.01.2025
WERNISAŻ: 14 listopada, godzina 18:00

Organizatorem wystawy jest Zespół Badań Obszarów Komunikacji Wizualnej w składzie: Justyna Jędrysek, Marcin Klag, Karolina Szafran-Kamrowska, Marcin Urbańczyk, Katarzyna Wojdyła (koordynatorka) oraz Anna Zabdyrska. Wystawa powstała w ramach realizacji projektu badawczego „Projektowanie jako zderzenie i integracja tego, co lokalne, z tym, co globalne”, finansowanego przez Uniwersytet Komisji Edukacji Narodowej w Krakowie. Wystawa jest częścią programu „Sztuka do rzeczy — design w Krakowie”.

The main theme of the exhibition EVOLVING VISIONS, which consists of works by five teaching artists and five selected students of the Department of Art and Education of the Faculty of Education of the University of Jan Evangelista Purkyně in Ústí nad Labem, the future art teachers, is the interplay between pedagogical and artistic approaches. The diverse artistic concepts of the teachers of one department are naturally reflected in the artistic expression and ideas of creative concepts of their students, creating a mutually permeable space. Through visual form, the exhibition offers opportunities to consider the influence of various teaching approaches by teaching artists, the relevance of their themes and expressive means in relation to the emerging and formative ideas and modes of expression of the upcoming generations. It also reflects on the general process of building on what already exists and the demands of current invention within the pedagogical process of a teaching artist and an art teacher.

MARGITA TITLOVÁ YLOVSKY (*1957) has long been fascinated by the possibilities of making the intangible visible. She is interested in the space of personal identity. This is also the subject of the exhibited work by KAROLINA JÁNSKÁ NEUMANN (1993*), in which she reflects on the power of innate characteristics, formation through upbringing and social influences. For VLADIMÍR FRANZ (*1959), landscape is a key artistic and musical theme. MARTINA TESAŘOVÁ (*1989) mediated the theme of jungle and wildness in her paintings, with a contrasting reference to the rationality of contemporary civilization. In the works of MARTIN VELÍŠEK (*1968), conceptual thinking about an image is directly intertwined with thinking about human existence. The prints by EVA VÁPENKOVÁ (*1979) show a characteristic preoccupation with transcribing traces of memory from a concrete landscape into a spatial composition made up of layers of abstracted horizontals, positive, direct impressions. JAN PROŠEK (*1977) works with the metaphor of landscape in motion. He relates the quality of the reciprocity between apparent stability and constant change to the position of individual human destiny in the context of historical events. The installation by KRISTÝNA MOUCHOVÁ (*1999) is a testimony of a personal relationship with the landscape of the Romanian Banat. MIROSLAV HAŠEK (*1988) has long dealt with the theme of reminiscence, remembrance, memory – both on a personal and collective level. MIKULÁŠ ONDRUŠ (*2003) presents his own interest in carving, inspired by Baroque morphology.

The whole exhibition can be perceived as a space of exchange of different ideological concepts and forms of expression, as a metaphor-fragment of the creative environment at school. An environment for the perception of one’s own themes and possibilities and their further realisation, an environment of continuously emerging creative visions.

Artists:

Margita Titlová Ylovsky – Karolina Jánská Neumann / Vladimír Franz – Martina Tesařová / Martin Velíšek – Eva Vápenková / Jan Prošek – Kristýna Mouchová / Miroslav Hašek – Mikuláš Ondruš

Jan Evangelista Purkyně University in Ústí nad Labem – Faculty of Education – Department of Art and Education

Wystawa otwarta od 04.-25.10.2024 od wtorku do piątku w godzinach 11-16.