Galeria Podbrzezie

 

Jak czytać współczesne miasto po socjalizmie? W jaki sposób architektura kształtuje relacje między pamięcią, władzą i codziennym doświadczeniem przestrzeni?

Wystawa Czyje miasto? to pierwsza odsłona cyklu ekspozycji inspirowanych międzynarodowym projektem badawczo-artystycznym unLoc. W centrum projektu znalazły się budynki stanowiące swego rodzaju kłopotliwe dziedzictwo krajów dawnego Bloku Wschodniego – zabytki architektury, która niegdyś symbolizowała władzę, a dziś mierzy się z pytaniami o własne znaczenie, sposób użytkowania i miejsce w codziennym życiu mieszkańców. Istotnym elementem wystawy są również słowa – określenia, skojarzenia i pojęcia, poprzez które definiowana i odczuwana jest architektura. Stają się one nośnikiem emocji, pamięci i wyobrażeń związanych z przestrzenią, a zarazem medium jej ponownego odczytywania. Język znaczeń i pojęć spotyka się tu z językiem form architektonicznych. Działania artystyczne, emocjonalne mapowanie przestrzeni, projektowanie spekulatywne i narzędzia AI otwierają nowe możliwości interpretacji tych miejsc. W centrum pozostają pytania o to, do kogo należy miasto i kto ma prawo nadawać mu znaczenia.

Wernisaż: CZWARTEK, 19 listopada 2026, godz. 18:00

Wystawa potrwa do 20.12.2026

—

Koncepcja kuratorska i koordynacja projektu: Małgorzata Łuczyna, Jacek Złoczowski

Osoby uczestniczące w wystawie: Klaudia Adamek (PL), Daria Barbu (RO), Ioana Blănaru (RO), Sebastian Bożek (PL), Natalia Buchta-Stochel (PL), Giorgia Chang Zhang (LV), Adara Cheles (RO), Chob / Olga Ciob (RO), Franciszek Derkowski (PL), Agnieszka Dutka (PL), Wiktoria Guzik (PL), Laima Jaunā (LV), Teo Ralfs Jēkabsons (LV), Marcin Kłeczek (PL), Pola Komarowa (PL), Tomasz Krajewski (PL), Michał Litwa (PL), Cristina Luca (RO), Szymon Martewicz (PL), Ola Maslenkova (PL), Katarzyna Mazur (PL), Memorymorph (Małgorzata Łuczyna, Jacek Złoczowski PL), Michał Menkarski (PL), Małgorzata Minchberg (PL), Aleksandra Mytnik (PL), Patrycja Mytnik (PL), Ana Maria Pătroi (RO), Konrad Peszko (PL), Jakub Pierzchała (PL), Marks Popkovs (LV), Teodora Rotaru (RO), Karolina Sitnik (PL), Piotr Szewczyk (PL), Julia Szumiec (PL), Kristaps Tarvids (LV), Danylo Vasiur (UA), Wiktoria Wojciechowska (PL), Aleksandra Żmuda (PL)

Konsultacja merytoryczna: Aldona Guzik, Karolina Kolenda

Identyfikacja wizualna: Damian Nowak (Parastudio)

Creative coding z wykorzystaniem AI: Marcin Kłeczek

Współpraca w projekcie unLoc: Ada Benio (PL), Błażej Brzostek (PL), Nicoleta Capbun (RO), Agnieszka Dutka (PL), Agnieszka Dzidek (PL), Jakub Galeja (PL), Izabela Gudelis (PL), Aldona Guzik (PL), Adrian Ibric (PL), Loredana Ivan (RO), Liene Jākobsone (LV), Karolina Jeleń (PL), Mikołaj Kania (PL), Karolina Kolenda (PL), Dagmara Latała (PL), Jakub Pierzchała (PL), Paulina Rojek-Adamek (PL), Eva Sommeregger (LV), George Suciu (RO), Dina Suhanova (LV), Barbara Tuchowska (PL)

Koncepcja wystawy została opracowana na podstawie rezultatów międzynarodowego projektu badawczo-artystycznego unLoc finansowanego przez Narodowe Centrum Nauki  (2023/05/Y/HS6/00117) w ramach wspólnego konkursu europejskiego programu badań i innowacji Horyzont 2020 i ERA-NET Cofund Urban Transformation Capacities (ENUTC).

unloc.art

Z perspektywy czasu bardzo trudno jest wskazać początek w praktyce artystycznej. W moim przypadku dodatkowym utrudnieniem jest określenie samej natury tej praktyki. Od przyglądania się miastu, poprzez graffiti, murale, instalacje artystyczne, działania performatywne i happeningi, powróciłem do przyglądania się miastu. Jednak zarówno oglądający jak i oglądane nie są już tacy sami.

Trzy dekady temu, w mroźny jesienny poranek, na mojej codziennej trasie pojawił się betonowy glitch. Nagły wyłom w ustalonym porządku, puzzel wyjęty z miejskiej układanki. Choć prefabrykaty z lanego betonu stanowiły wówczas jeden z symboli polskich miast, to były również w jakimś sensie przeźroczyste. Wywrócenie donicy ujawniło przede mną jej intrygujący – jakby wyjęty z gier na ośmiobitowe komputery – kształt. Z miejsca wróciłem do domu po aparat, żeby udokumentować tę sytuację.

Tak zaczęło się moje zainteresowanie miastem. Od przerwanego rytmu, zmiany kontekstu i zwykłego wandalizmu. W drugiej połowie rozedrganych lat 90. kiedy wywracano – w tym wypadku dosłownie – stary porządek. Zafascynowany zachodzącymi wokół mnie przemianami kulturowymi, nie rozumiałem jeszcze, że kapitalizm, reklama i graffiti zdemolują za moment dotychczasowy ład przestrzenny. Wtedy to były dla mnie zjawiska wyłącznie pozytywne.

Powoli zataczam koło, coraz chętniej wracając do działań z początku swojej drogi, ucząc się ufać swoim gestom. Jednocześnie mam świadomość, że wieloletnia praktyka artystyczna i kuratorska prowadzi nieuchronnie do przejścia z pozycji kontestacji do establishmentu. Odbywa się to niepostrzeżenie, nierzadko zaskakując samych zainteresowanych. Mnie zaskoczyło. Zadaję więc sobie pytanie: ile we mnie zostało z tego, kim byłem 30 lat temu?

Artur Wabik

Wystawa przybliża współczesną fotografię niemiecką przez pryzmat książki fotograficznej, sytuując te prace w szerszym dialogu między Niemcami a Polską. Fotografia w obu krajach rozwijała się w powiązanych ze sobą europejskich kontekstach artystycznych, politycznych i społecznych. Common Ground stawia tezę, że aby zrozumieć siebie nawzajem i otaczającą nas rzeczywistość, musimy zmierzyć się z pytaniami — o tożsamość, pamięć, krajobraz i przemiany.

Książki przekraczają granice łatwiej niż ludzie i zawsze pełniły rolę nośników dialogu oraz nowych języków wizualnych. Książki fotograficzne zajmują wyjątkowe miejsce w historii praktyki fotograficznej jako skonstruowane narracje wizualne, w których sekwencja, rytm, materialność i forma kształtują znaczenie. Od początku XX wieku książka fotograficzna funkcjonuje jako jedno z najbardziej wpływowych mediów prezentacji i obiegu fotografii — pozwalając osobom artystycznym tworzyć eseje wizualne, dokumentować rzeczywistość społeczną i eksperymentować z formą w sposób zasadniczo różniący się od wystaw czy pojedynczych odbitek.

Common Ground traktuje książkę jako obiekt artystyczny — miejsce spotkania historycznej rzeczywistości z wewnętrznym przeżyciem, gdzie kulturowe aspekty układają się w nieoczekiwane wzory tworząc zarówno podobieństwa, jak i różnice. Wystawa staje się więc platformą dyskusji, współpracy i zaangażowania w fotografię jako praktykę artystyczną i formę wymiany kulturowej — w czasach, gdy może być nam ona najbardziej potrzebna.

Kurator: Heiner L. Beisert, Jakub Szachnowski, Katarzyna Szachnowska

Zapraszamy do 14.06.2026.
Godziny otwarcia: codziennie w godzinach od 11:00 do 16:00
Wstęp wolny

---

The exhibition explores contemporary German photography through the lens of the photobook, situating these works within a broader dialogue between Germany and Poland. Photography in both countries has developed within interconnected European artistic, political, and social contexts. At its core, Common Ground argues that to share an understanding of each other and our material reality, we must engage with questions of identity, memory, landscape, and transformation.

Books travel across borders more easily than humans, and have historically served as vehicles for artistic dialogue and the dissemination of new visual languages. Photography books occupy a unique position within the history of photographic practice. More than containers of images, they are curated visual narratives in which sequencing, rhythm, materiality, and design shape meaning. Since the early twentieth century, the photobook has functioned as one of the most influential mediums for presenting and circulating photography — allowing artists to construct visual essays, document social realities, and experiment with form in ways that differ fundamentally from exhibitions or single prints.

Common Ground treats the book as an artistic object in its own right — a site of encounter between historical reality and the inner subjective world, between cultural aspects that arrange themselves in unusual patterns, creating both similarities and differences. Ultimately, the exhibition aims to create a platform for discussion, collaboration, and renewed engagement with photography as both an artistic practice and a form of cultural exchange — in times when we may need it the most.

Curator: Heiner L. Beisert, Jakub Szachnowski, Katarzyna Szachnowska
Curatorial team: Heiner L. Beisert, Jakub Szachnowski, Katarzyna Szachnowska | Rust Publishing

Open: daily from 11:00 to 16:00
Free entry

---

For more details, visit our website:
www.photomonth.com

@rustpublishing
www.rustpublishing.cc

The event is co-funded by the Ministry of Culture and National Heritage from the Culture Promotion Fund, the Municipality of Krakow, and the Foundation for Polish-German Cooperation.

Photo credits: Sascha Weidner: Implode II (2011) © The Estate of Artist Sascha Weidner

 

Punktem wyjścia do koncepcji wystawy jest proces przywracania skompresowanych danych do ich oryginalnej formy. Puste foldery, problematyczny format, jak zawsze coś nie chce się otworzyć. Błąd, spróbuj jeszcze raz, spróbuj inaczej. Opór przeszłości wobec teraźniejszości. Białe plamy, broniąca swych granic terra incognita, o którą stoczymy walkę z interfejsem.

Na wystawie Decompression obraz pojawia się jako skompresowane dane – wizualny zapis udostępniany wtórnemu oglądowi. Pełny dostęp do pierwowzoru okazuje się jednak poza zasięgiem. Status przedstawień jest niepewny, granica błędu przesunięta zostaje daleko poza ramy kompozycji.

Motywy organiczne, po które w różnych kontekstach sięgają artystki i artyści, znajdują wspólny mianownik w refleksji nad gromadzeniem, cyrkulacją oraz wykorzystywaniem danych. Akumulując tkaniny przedstawiające kwiaty i chwasty, Barbara Janczak mierzy się z proliferacją doznań wzrokowych, z których jedynie część możliwa jest do przetworzenia przez ciało, pamięć i zmysły. W Krajobrazie Natalii Kopytko flora okazuje się nośnikiem danych osobowych bezimiennych bohaterek wojennych – „Malwy”, „Stokrotki” czy „Sasanki”. Zatarcie tożsamości staje się także udziałem Pegaza Pawła Olszczyńskiego. Inspirując się historią okładziny ceramicznej autorstwa Krzysztofa Henisza, po renowacji Międzynarodowego Klubu Prasy i Książki zrekonstruowanej w formie abstrakcyjnej kompozycji, artysta stawia pytania o granice błędu w odtwarzaniu przeszłości na bazie „skompresowanych” danych.

Bezpowrotnie utracone, niemożliwe do odzyskania pliki stanowią punkt wyjścia dla Hermesa Magdaleny Lazar, sąsiadującego z reminiscencją antycznego posłańca w pracy Konrada Gubały. W Gotowym do wyjścia uziemiony ruch staje się wyrazem sprzecznych sił niweczących górnolotne aspiracje. Odniesienia do mitologicznych figur odczytać można także w perspektywie cyfrowej, w której Pegaz i Hermes – dotychczas adorowani za fizyczną sprawność i szybkość – stają się obiektem podejrzeń, użyczając swych imion systemom gromadzenia danych, które obiegają kulę ziemską z prędkością światłowodu.

Napięcie między ciążeniem ku ziemi a pragnieniem działania powraca w pracy Justyny Smoleń. Kłoda to odlew rozkładającego się korzenia, którego organiczną strukturę zaburza kulturowy ciężar nadziei, pragnień i lęków zapisanych w kruchej materii. Pytanie o możliwość sprzężenia materii naturalnej z tkanką kultury pojawia się także w instalacji Ceromancy Alicji Pakosz. Wróżenie z wosku staje się wyrazem fascynacji niemożliwością opanowania materii przy jednoczesnym dążeniu do podporządkowania jej indywidualnym oczekiwaniom i aspiracjom, w dużej mierze determinowanym przez normy kulturowe. Granica między abstrakcją a figuracją zaciera się, otwierając pole dla spekulacji.

Osoby artystyczne: Konrad Gubała, Barbara Janczak, Natalia Kopytko, Magdalena Lazar, Paweł Olszczyński, Alicja Pakosz, Justyna Smoleń

Kuratorka: Zofia Małysa-Janczy

Aranżacja i identyfikacja wizualna: Anna Zabdyrska

–
WYSTAWA JEST CZĘŚCIĄ CRACOW ART WEEK KRAKERS.
W trakcie trwania festiwalu wystawa będzie otwarta codziennie w godzinach 11-18.
Po zakończeniu festiwalu wystawa będzie otwarta CODZIENNIE w godzinach 11-16. ZAPRASZAMY, WSTĘP WOLNY!

Kontakt z drugim człowiekiem zawsze rodzi ryzyko zranienia, straty czy oceny. Stąpamy jednak po tym kruchym lodzie, bo w spotkaniu z innym realizujemy własne człowieczeństwo. Intymność jednak nie zawsze wymaga obecności drugiej osoby. Czasem kierujemy się ku własnemu ciału, ku myślom, których nikt nie usłyszy. Tytułowa enklawa wyłania się w miejscu, gdzie jednostka wyznacza własną granicę obecności i widzialności.

Wystawa rozpięta jest między tymi dwoma doświadczeniami: skierowaniem ku drugiemu człowiekowi i wycofaniem w głąb własnego Ja. Stanowi refleksję nad tym, jak w dzisiejszym świecie znaleźć równowagę między odsłonięciem a ukryciem? Między zaproszeniem a zamkniętymi drzwiami? Gdzie kończę się ja, a zaczyna druga osoba? Czy w epoce ciągłej otwartości i totalnej dostępności jest jeszcze przestrzeń na intymność?

Dzieła prezentowane na wystawie składają się w dużej mierze z prac artystów i artystek młodego pokolenia, których głosy uznajemy za cenne i ważne w refleksji nad zmieniającym się pojęciem intymności.

ZESPÓŁ KURATORSKI:
Olga Nowotnik, Celina Wojtanowska, Konrad Pokrywka,
Magdalena Woch, Julianna Wójcik

OSOBY ARTYSTYCZNE:
Ewa Babiarz, Natalia Baranowska, Basia Bazger, Marianna Buchowicz, Basia Cabaj, Marlena Czop, Nina Dziwoki, Adrianna Gajdziszewska, Justyna Hrycyk, Wojciech Kamieński, Inga Kamińska, Weronika Kornasiewicz, Wiktoria Kosiek, Maciej Kryński, Katarzyna Kubak, Nina Lewczuk, Martyna Majchrowicz, Zuzanna Majocha, Lidia Nylec, Magdalena Palion, Duch Przeźmiński, Marcin Rockstein, Paulina Szołoch, Pola Sztuk, Alka Uchacz, Barbara Wachowicz, Paulina Walczak-Hańderek, Katarzyna Wierzba, Zuzanna Wierzba, Karolina Zaborowska, Adrian Zert

Wernisaż: PIĄTEK, 13.03.2026, godz. 18:00
Wstęp wolny, zapraszamy wszystkich!

Z początkiem nowego roku zapraszamy na wystawę wielkoformatowych wycinanek autorstwa Darii Aloszkiny, artystki pracującej tradycyjną techniką wycinania ażurowych dekoracji z papieru. Na wystawie będzie można zobaczyć ponad 20 prac, pochodzących z różnych cykli, w większości zrealizowanych w ciągu ostatnich pięciu lat. Monumentalne kompozycje zostały wybrane z liczonego w setkach metrów kwadratowych dorobku artystki w taki sposób, aby pokazać jak najszerszy przekrój form i tematów.

Częstymi motywami prac Darii Aloszkiny są postaci kobiece i ornamenty roślinne. Niektóre z nich przestawiają konkretne osoby i wydarzenia z historii Ukrainy, niektóre zaś są swobodnym przetworzeniem mitów, legend i podań ludowych. Artystka wspomina, że dorastając na Podolu często natykała się na fragmenty dawnej ceramiki i kamienne słupy, ozdobione symbolami solarnymi. Prace Aloszkiny wpisują się w trwający w Ukrainie już drugą dekadę powrót do tradycyjnej kultury ludowej, związany z odzyskiwaniem tożsamości narodowej.

Ukraińskie wycinanki zwyczajowo tworzone były poprzez złożenie arkusza od dwóch do ośmiu razy i wycięcie w nim kształtów tak, aby po rozłożeniu powstał symetryczny obraz. Choć artystka zamieniła nożyczki na noże, to jej prace wciąż powstają w całości odręcznie, w oparciu o XIX-wieczne praktyki. Wystawa w Galerii Podbrzezie jest pierwszą wystawą monograficzną artystki w Krakowie, gdzie mieszka i tworzy od 2022 roku.

Wernisaż wystawy odbędzie się w dniu 15 stycznia o godz. 19:00.

Wystawa otwarta od 16 stycznia do 26 lutego 2026, codziennie w godzinach 11-16.

Kurator: Artur Wabik

---

Daria Aloszkina – urodzona w 1982 roku w Kijowie, ukończyła Lwowską Akademię Sztuk Pięknych na kierunku rzeźby monumentalnej. Od 2010 roku bierze udział w międzynarodowych wydarzeniach artystycznych w Polsce, Niemczech, Francji, Korei Płd., Kanadzie, USA, Belgii, Austrii, Szwajcarii, Włoszech i Danii, gdzie reprezentuje Ukrainę za pomocą wycinanek z papieru. Jej prace dwukrotnie zdobiły ukraińskie stoisko na targach książki Livre Paris, zaś w 2018 roku stoisko ukraińskie na Paris Design Week. W 2019 roku prezentowała swoje prace w siedzibie ONZ w Szwajcarii, w 2020 roku na Biennale Sztuki Rzemiosła w Wenecji – na zaproszenie Fundacji Michelangelo, zaś w 2021 roku na wystawie indywidualnej w Musée des Beaux-Arts de Nice.

 

---

Przedsięwzięcie finansowane w ramach Krajowego Planu Odbudowy i Zwiększania Odporności (KPO) ze środków Unia Europejska – NextGenerationEU w ramach inwestycji A2.5.1 „Program wspierania działalności podmiotów sektora kultury i przemysłów kreatywnych na rzecz stymulowania ich rozwoju” w ramach projektu Fundacji Aktywna Integracja „Światło Tradycji – Wystawa wycinanek Darii Alyoshkiny z warsztatami ekologicznymi i technologicznymi dla sektora kreatywnego”.

Spotkanie z Ewą Gołębiowską – inicjatorką i wieloletnią (w latach 2005–2021) dyrektorką Zamku Cieszyn, pierwszego regionalnego ośrodka dizajnu w Polsce. To aktywna uczestniczka wielu europejskich sieci, w tym EIDD Design for All. Organizacji tej, działającej na rzecz poprawy jakości życia poprzez wdrażanie idei projektowania dla wszystkich, przewodniczyła w latach 2013–2017. Ekspertka PARP w dziedzinie designu latach 2015–2020. Od 2023 r. wiceprezeska Stowarzyszenia Projektowego SPFP.

Podczas spotkania uczestnicy będą mieli okazję poznać jej doświadczenia, refleksje i inspirujące przykłady wdrażania idei „Design for All” w praktyce.

Zapraszamy wszystkich, wstęp wolny.

1. start o 11: WSTĘP DO TYFLOGRAFIKI (grafiki wypukłej) – warsztaty poświęcone interpretacji obrazu i przekształcaniu go w uproszczone graficzne formy. Uczestnicy nauczą się, jak syntetyzować obraz oraz zapisywać jego elementy w nowym, wizualnym kodzie.

Prowadzący: dr Lech Kolasiński, artysta interdyscyplinarny i projektant, specjalizujący się w opracowywaniu materiałów dotykowych dla osób z niepełnosprawnością wzroku. Współpracuje z licznymi instytucjami kultury, tworząc tyflografiki, m.in. z Zamkiem Królewskim Na Wawelu, z Muzeum UJ Collegum Maius, z Muzeum Fotografii w Krakowie. Wykładowca w Instytucie Sztuki i Designu UKEN.

2. start o 12:30 PROJEKTOWANIE PIKTOGRAMÓW dla przestrzeni publicznej – warsztaty poświęcone tworzeniu czytelnych znaków wizualnych z uwzględnieniem potrzeb osób z różnymi ograniczeniami wzroku. Podczas zajęć uczestnicy będą testować swoje projekty przy użyciu specjalnych okularów symulujących wybrane zaburzenia widzenia.

Prowadząca: dr Anna Zabdyrska, projektantka, wykładowczyni w Instytucie Sztuki i Designu UKEN. Projektuje grafikę i wystawy, bada przestrzeń miejską i typografię uliczną. Współpracuje z licznymi instytucjami kultury w Krakowie.

Warsztaty skierowane są do osób chcących rozszerzyć swoją wiedzę o praktyczne kwestie związane z dostępnością. Warsztaty dla dorosłych. Zapisy do 21.11.2025 do godziny 12 na galeriapodbrzezie@uken.krakow.pl

Wydarzenia w ramach projektu Sztuka do rzeczy. Design w Krakowie.

Współczesne projektowanie coraz częściej odchodzi od postrzegania obiektu jako autonomicznego dzieła. Zamiast tego koncentruje się na powiązaniach, jakie może on budować: z użytkownikiem, otoczeniem i innymi ludźmi. Wystawa ALL IN(clusive) przybliża ideę projektowania inkluzywnego oraz skoncentrowanego na człowieku – podejść, w których punktem wyjścia i celem jest realny człowiek: z konkretnymi potrzebami, ograniczeniami, doświadczeniami i emocjami.

Dostępność nie sprowadza się dziś jedynie do usuwania barier. To przede wszystkim projektowanie z myślą o różnorodności, która jest naturalną cechą współczesnych społeczeństw. Twórcy i projektanci prezentowani na wystawie odpowiadają na potrzeby osób z niepełnosprawnościami, dzieci, seniorów, osób neuroatypowych. Design staje się narzędziem dialogu i współtworzenia – nie tylko produktem, lecz procesem opartym na empatii, uważności i odpowiedzialności.

Human-centered design wyrasta z relacji – z codzienności użytkowników, ich historii i perspektyw. Zamiast tworzyć dla anonimowego „odbiorcy końcowego”, projektanci coraz częściej pracują razem z ludźmi, którzy będą korzystać z efektów ich pracy. Użytkownik staje się tu współtwórcą – z własnym głosem, doświadczeniem i wiedzą. To fundamentalna zmiana: od projektowania „o” człowieku do projektowania „z” człowiekiem.

Zapraszamy na otwarcie wystawy All IN(clusive)
w piątek 14.11.2025, o godzinie 18.00
w Galerii Podbrzezie, ul. Podbrzezie 3, Kraków

Wystawa potrwa do 9.01.2026

Wstęp wolny, zapraszam wszystkich!

Wernisaż w ramach wydarzenia Sztuka do rzeczy. Design w Krakowie.

Wystawa jest częścią międzynarodowego wydarzenia Bienalsur: https://bienalsur.org

 

---

 

Contemporary design increasingly moves away from viewing an object as an autonomous work. Instead, it focuses on the connections it can build—with users, the environment, and other people. The exhibition ALL IN(clusive) explores the idea of inclusive and human-centered design—approaches that place real people, with their needs, limitations, experiences, and emotions, at the heart of the process.

Accessibility today goes beyond removing barriers. It is about designing for diversity, a natural feature of modern societies. The creators and designers presented in the exhibition respond to the needs of people with disabilities, children, seniors, and neurodivergent individuals. Design becomes a tool for dialogue and co-creation—not merely a product, but a process rooted in empathy, attentiveness, and responsibility.

Human-centered design grows out of relationships—out of users’ daily lives, their stories, and perspectives. Instead of designing for an anonymous “end user,” designers increasingly work with the people who will use the results of their work. The user thus becomes a co-creator—with their own voice, experience, and knowledge. This marks a fundamental shift: from designing FOR people to designing WITH people.

We invite you to the opening of the exhibition All IN(clusive)
on Friday, November 14, 2025, at 6:00 p.m.
at Podbrzezie Gallery, ul. Podbrzezie 3, Kraków

The exhibition will run until January 9, 2026.
Free admission – everyone is welcome!

The opening is part of the event Sztuka do rzeczy. Design w Krakowie

The exhibition is also part of the international event Bienalsur.
https://bienalsur.org

Konferencja podkreśli znaczenie współpracy badaczy, projektantów i artystów, wskazując kluczowe obszary, w których interdyscyplinarne podejście może sprzyjać tworzeniu bardziej inkluzywnych środowisk i produktów. Wydarzenie poświęcone będzie roli projektowania w opracowywaniu rozwiązań wspierających osoby ze szczególnymi potrzebami – od osób z niepełnosprawnością wzroku, przez osoby
w spektrum autyzmu, po szerszy kontekst neuroróżnorodności.

The conference will highlight the importance of collaboration between researchers, designers, and artists, showing how an interdisciplinary approach can help create more inclusive environments and products. The event will focus on the role of design in developing solutions that support people with special needs—from those with visual impairments, to individuals on the autism spectrum, and in the broader context of neurodiversity.

11:55 – Rozpoczęcie konferencji: przywitanie, przedstawienie pierwszych prelegentek i prelegentów.

12.00 – 12.30

Zespół badawczy Wrażliwcy: dr hab. Agnieszka Łukaszewska, dr hab. Małgorzata Niespodziewana-Rados, dr hab. Bogna Sroka-Mucha,
dr Magdalena Żmijowska, dr Dominika Bobulska, Karol Patoła, Uniwersytet Komisji Edukacji Narodowej oraz kurator wystawy Artur Wabik
Omówienie wystawy Wrażliwcy oraz prac studenckich z projektu „Empatia”.

Research Team Wrażliwcy: Associate Professor Agnieszka Łukaszewska, PhD
Associate Professor Małgorzata Niespodziewana-Rados, PhD
Associate Professor Bogna Sroka-Mucha, PhD
Magdalena Żmijowska, PhD, Dominika Bobulska, PhD, Karol Patoła
University of National Education Commission
Artur Wabik, curator of the exhibition
Discussion of the exhibition Wrażliwcy and student works from the project “Empathy”.

12.35 – 13.05

Dr hab. Agnieszka Guzik, dr Andżelina Wolan-Nieroda, Uniwersytet Rzeszowski
Jak pracować z dziećmi z dysfunkcjami poznawczymi? – prezentacja na podstawie projektu „Empatia” realizowanego we współpracy z prowadzącymi i studentami Instytutu Sztuki i Designu UKEN.

Associate Professor Agnieszka Guzik, PhD, Andżelina Wolan-Nieroda, PhD, University of Rzeszów
How to work with children with cognitive disabilities? – Presentation based on the „Empatia” project, carried out in cooperation with lecturers and students from the Institute of Art and Design, UKEN.

13.10 – 13.40

Tim Prezelj, Uniwersytet w Lublanie
 Prezentacja warsztatów w ramach szkoły letniej KAVERLJAG WORKSHOPS, w ramach których uczestnicy zapoznają się z grafiką wypukłą i projektowaniem taktylnym.

Tim Prezelj, University of Ljubljana
Presentation of workshops within the KAVERLJAG SUMMER SCHOOL, where participants explore relief printmaking and tactile design.

13.45 – 14.15

Paulina Bator, Studenckie Koło Naukowe Pedagogiki Specjalnej, UKEN
Wrażliwa przestrzeń, skuteczna pomoc – wspieranie uczniów z ASD
w codziennej praktyce

Sensitive spaces, effective support – assisting students with ASD
in everyday practice

 14.20 – 14.50

Patrycja Małek
Prezentacja projektu „Punkt Dobrostanu”.
Presentation of the „Wellbeing Point” project.

 14:50 – 15:15

Pytania i odpowiedzi.
Q&A session.

Po konferencji zapraszamy na poczęstunek.
After the conference, we invite you to join us for food and conversation.

WSTĘP WOLNY. ZAPRASZAMY WSZYSTKICH!

——-

Komitet organizacyjny konferencji:Przewodnicząca:dr Anna Zabdyrska Instytut Sztuki i Designu UKEN w Krakowie

• Zastępca: Prof. nadzw. dr hab Agnieszka Guzik, Prodziekan ds. Studenckich i Kształcenia Wydziału Nauk i Zdrowiu i Psychologii Collegium Medicum Uniwersytetu Rzeszowskiego
• Sekretarz biura organizacyjnego: dr Katarzyna Wojdyła
• Członkowie: dr Magdalena Żmijowska,Instytut Sztuki i Designu UKEN
  w Krakowie, dr Dominika Bobulska, Instytut Sztuki i Designu UKEN w Krakowie

Komitet naukowy konferencji:

• UKEN dr hab. Agnieszka Łukaszewska, Dyrektor Instytutu Sztuki i Designu UKEN
• dr n. o zdr. Andżelina Wolan-Nieroda, Instytut Fizjoterapii, Wydział Nauk o Zdrowiu i Psychologii Collegium Medicum Uniwersytet Rzeszowski
• dr n. o zdr. Justyna Leszczak Instytut Fizjoterapii, Wydział Nauk o Zdrowiu i Psychologii Collegium Medicum Uniwersytet Rzeszowski
• UKEN dr hab. Małgorzata Niespodziewana-Rados, Instytut Sztuki i Designu UKEN w Krakowie
• dr hab. Bogna Sroka-Mucha, Instytut Sztuki i Designu UKEN
  w Krakowie

 

Wystawa „Wrażliwcy” w Galerii Podbrzezie jest próbą poszerzenia tradycyjnego, ikono-lingwistycznego języka komiksu, poprzez wprowadzenie do niego nowych, narracyjnych form graficznych i przestrzennych, opartych na wrażliwości na różnorodność i wykluczenia. Chcemy pokazać, że alternatywne sposoby doświadczania komiksu mogą angażować nie tylko wzrok, ale też inne zmysły, jak słuch czy dotyk.

Osoby biorące udział w wystawie: Dominika Bobulska,
Simeon Genew, Lech Kolasiński, Przemek Liput,
Agnieszka Łukaszewska, Małgorzata Malwina Niespodziewana,
Piotr Nowacki, Karol Patoła, Bogna Sroka-Mucha,
Magda Żmijowska.

Kurator: Artur Wabik

Wystawa współorganizowana przez Uniwersytet Komisji Edukacji Narodowej i Fundację Muzeum Komiksu jest częścią programu
14. Krakowskiego Festiwalu Komiksu.

Wernisaż: PIĄTEK, 27.06.2025, godz. 19.00
Wystawa czynna w trakcie trwania
14. Krakowskiego Festiwalu Komiksu
w dniach 28-29.06.2025 w godzinach 10.00-18.00
Po zakończeniu festiwalu pn.-pt. 11-16